so known as

Wassily Kandinsky, Vasilij Kandinskij, Wassily Wassiljewitsch Kandinsky, Vasili Vasilievich Kandinsky, Vassily Kandinsky, Vasilyevich Kandinsky, Vasilii Vasil’evich Kandinskii, Kandinsky, Wa-hsi-li Kàng-ting-ssu-chi, Kàng-ting-ssu-chi, Vasilij Vasil’evic Kandinskij, Wassili Kandinsky, Vasilij Kandinski, Васили

й Васильеви

ч Кандински , V

й asily Kandinsky, 瓦西里·康定斯

基

Date of birth

1866

Date of death

1944

A pioneer of abstract art, Vasily Kandinsky believed that color and form could function as vehicles for direct expression, awakening powerful feelings in the viewer. He argued that the emotional properties of abstract art could transcend language and that images don’t need to represent something identifiable in order to be powerful.

Having received musical training early in his life, Kandinsky approached color with a musician’s sensibility, often analogizing color to sound. In his seminal 1912 text,  Concerning the Spiritual in Art, one of the most important and widely read art treatises of the 20th century, he advocated that art could move beyond imitation of the physical world, inspiring, as he put it,

“vibrations in the soul.” He wrote, “Color directly influences the soul. Color is the keyboard, the eyes are the hammers, the soul is the piano with many strings.”

During the first decade of the 20th century, Kandinsky’s work showed influences of Fauvism, pointillism, and Impressionism, but he soon began forging a new path alongside artists that shared his radical sensibility. As one of the founding members of the New Artists’ Association of Munich (Neue Kunstlervereinigung Munchen, or NKVM), the leading movement of Modern Art in 20th-century Germany, he created works that were increasingly abstract. In 1911, Kandinsky brought together the Blue

Rider (Der Blaue Reiter) group, nine like-minded Expressionist artists who believed that symbolic associations of sound and color in art could produce a spiritual experience. Famously, he began teaching at the Bauhaus in Weimar in 1922, where he made color theory a significant part of the school’s curriculum. Following the Nazi government’s closure of the Bauhaus in 1933, Kandinsky settled in Neuilly-sur-Seine, near Paris, where he resided until his death.

The Art Institute is home to numerous works by Kandinsky, including  Improvisation No. 30 (Cannons), notable for its incorporation of both abstract forms and references to the material world.

Key Contributions at the Bauhaus:

Kandinsky taught theoretical courses on color theory and

form, encouraging students to explore the emotional impact of

shapes and colors.

He worked closely with other influential modern artists like

Paul Klee, blending ideas from architecture, design, and fine

art to push the boundaries of what art could be.

His time at the Bauhaus led to a more geometric style in his later works, focusing on circles, squares, and triangles to

convey universal themes of harmony and balance.

Kandinsky’s influence at the Bauhaus cannot be overstated—

it was a pivotal moment that helped shape modern art as we

know it today.

7. Kandinsky’s Legacy: The Lasting Impact on Modern Art � � �

Wassily Kandinsky’s contributions to abstract art helped pave the

way for many modern and contemporary artists. His works

challenged traditional ideas of what art could be, pushing

the boundaries of form, color, and expression. � �

Kandinsky’s Influence on Modern Art:

Abstract Expressionism: Artists like Jackson Pollock and Mark

Rothko drew inspiration from Kandinsky’s emphasis on

emotional expression through abstraction.

Color Theory: His ideas about color and emotion have

influenced generations of artists, designers, and educators.

Spirituality in Art: Kandinsky’s belief in the spiritual power of

art continues to resonate, especially with artists exploring

themes of spirituality and self-expression through non-

representational forms.

Today, Kandinsky’s paintings are celebrated in major

museums around the world, and his ideas about art as a

universal language of emotion continue to inspire new

generations of artists. � �✨

Wassily Kandinsky - Pintura Amarilla - Alfombra a Medida Arte Bauhaus

Frequently Asked Questions (FAQs) � �

1. Who was Wassily Kandinsky?

Wassily Kandinsky was a Russian-born artist and one of the

pioneers of abstract art. He believed in the spiritual power of

colors and shapes to express emotions and inner truths. � �

2. What is abstract art?

Abstract art is a style that does not depict recognizable objects

or scenes but instead uses color, form, and line to evoke

emotions or ideas. Kandinsky is often credited as one of

its founding figures.

3. What are Kandinsky’s most famous works?

Some of his most famous paintings include Composition VII,

Yellow-Red-Blue, and Improvisation 28. These works

showcase his move toward pure abstraction and his belief

in the emotional power of art. � �

4. How did music influence Kandinsky’s art?

Kandinsky believed that art and music were closely

connected, and he often compared his paintings to musical

compositions. He used terms like "Composition" and

"Improvisation" to describe his abstract works,

emphasizing their emotional and rhythmic qualities. � �

5. What did Kandinsky teach at the Bauhaus?

At the Bauhaus, Kandinsky taught courses on color theory and

abstract form, helping to shape the modern art movement with

his emphasis on geometric abstraction and spiritual

expression. � �

6. How has Kandinsky influenced modern art?

Kandinsky’s focus on abstract form, color, and emotional

expression has had a lasting impact on many art movements,

including Abstract Expressionism, Minimalism, and

contemporary abstract art. � �

Conclusion: Wassily Kandinsky—A Visionary of Modern Art

� � �

Wassily Kandinsky’s journey through art was one of bold

exploration, blending emotion, spirituality, and abstraction to

create a new language of color and form. His work

continues to inspire artists, designers, and thinkers

worldwide, proving that art can transcend the material

world to touch something deeper—our innermost feelings

and the mysteries of the human spirit. As one of the

true visionaries of modern art, Kandinsky’s legacy lives on, reminding us that creativity has no limits. � �✨

KANDINSKY AND ABSTRACTION: THE ROLE OF THE

HIDDEN IMAGE

By Rose-Carol Washton Long

IN AN AUTOBIOGRAPHICAL STATEMENT published in 1919, Vasily Kandinsky claimed he painted his first abstract work in 1911.1 However, in his essays written before the First World War, he made no mention of abstract works before the middle of 1913.2 No wonder then that one of Kandinsky’s biographers, when faced with describing the paintings of the period 1911–1913, wrote in 1924: “One thinks one sees in the works from 1911–1913 vegetables, meteorological forms, remnants of trees, water, fog, but by careful concentration one is able to make these figments of our imagination disappear.”3 This expression of uneasiness about the seeming presence of images in Kandinsky’s works betrays the conflict many have felt when seeking to establish a clear cut-off date for Kandinsky’s excursion into abstraction. Kandinsky’s remarks of 1919 have been used to support the misconception that the imagery, actually visible in his paintings of 1911 through 1914, does not really exist. This contradiction between what one sees in the paintings and what one frequently reads is partly due to the fact that Kandinsky’s interpretation of abstraction changed between 1913 and 1919.

The keyboard is color, the eyes are hammers, and the heart is a piano with several strings. The musician is the hand that plays, feeling one note or another in order to create vibrations in one’s soul.”

9. See Kandinsky, "Reminiscences," Lindsay & Vergo, p.

364. 40. This theory, according to Kandinsky's own

footnote, was informed by the experiments of a Russian

music teacher, Madame A. ZakharinUnkovskaya, at the

Saint Petersburg Conservatory. Kandinsky was fas

cinated with her method, which he considered special

and precise, since it al owed for "translating the colors

of nature into music, of paint ing the sounds of nature,

of seeing sounds in color and hearing colors musical y."

On the Spiritual in Art, Lindsay & Vergo, p. 159. 41.

After attending a concert of the composer's music in

Munich on Jan uary 1, 191 1, the artist began a long-

lasting correspondence with him that was only

interrupted by the outbreak of World War I. What par

ticularly captured Kandinsky's attention were Schonberg's

theories of music, even though in a letter of January 13,

1912, Kandinsky freely ad mits that his knowledge of

music and musical theory is rather rudi mentary and

that he awaits the visit of his friend the Russian

composer Thomas von Hartmann, who wil  explain to

him the nuances of Schon berg's theory as expounded

in his book Theory of Harmony (1911). Kandinsky

insisted that excerpts from Schonberg's article "On

Paral el Octaves and Fifths," from his Theory of

Harmony, should be published in Kandinsky's personal y

footnoted Russian translation in the catalogue to the

second salon organized by the sculptor Vladimir

Izdebsky in Odessa, December 1910. 42. For discussion

of Schonberg's work, see R. P. Morgan, XXc. Music

(New York and London: W. W. Norton, 1991), pp. 62—

77. On the re lationship between Kandinsky and

Schonberg, see Peter Vergo, "Music and Abstract

Painting: Kandinsky, Goethe and Schonberg," in Towards

a New Art: Essays on the Background to Abstract Art

1910-20 (Lon don: Tate Gal ery, 1980), pp. 41-63. 43.

On the Spiritual in Art, Lindsay & Vergo, p. 215. 44. On

the Spiritual in Art, Lindsay & Vergo, p. 217. 45. Peg

Weiss discusses in detail Kandinsky's admiration for

Hodler and his tendency toward the use of melodic and

rhythmic elements in his work; see her article

"Kandinsky and the Symbolist Heritage, "Art Journal 45

(Summer 1985), pp. 137-45. 46. On the Spiritual in Art,

Lindsay & Vergo, p. 217. 47. On the Spiritual in Art,

Lindsay & Vergo, p. 217. 48. The connection to music

is not the only analogy Kandinsky brings up in this

context. The tranquil, elevated style of Gothic

architecture, which shows a poised rhythmic composition

of wel -balanced structural parts, creates for him a

spiritual mood as in painting. See On the Spir itual in

Art, Lindsay & Vergo, p. 218. 49. During this decade,

Kandinsky did not abandon his notion of mak ing a

Composition; he attempted to paint a Composition VIII

around 1918 (as a dated study is entitled Study for

Composition VIII). 50. A new institution, cal ed the

People's Commissariat for Enlighten ment (Narkompros),

was assigned the task of coordinating the cultural affairs

of the newly born Soviet Union. Its head, Anatoli

Lunacharsky, invited such avant-garde artists as Vladimir

Tatlin and Aleksandr Rodchenko to join the Department

of Visual Arts (IZO). In January 1918 they invited

Kandinsky to join IZO, where he was later appoint ed

editor of Visual Art, a periodical published by IZO

Narkompros. In October 1918 Kandinsky established

contact with German artists and the architect Walter

Gropius, who would be the founder of the Bauhaus in

1919. For detailed discussion of the period see Clark

Poling, Kandinsky: Russian and Bauhaus Years, 191 5—

J933 (New York: Solomon R. Guggenheim Foundation,

1983), chaps. 1 and 2, pp. 12-56. 51. However, since

the beginning of the Weimar Republic in Germany,

fol owing the November Revolution in 1918, an art

society cal ed the November Gruppe, the Arbeitsrat fur

Kunst (Work Council for Art), and the Bauhaus al

postulated the goal of creating art that would respond to

the needs of a new, more egalitarian society. For a

detailed discussion of this period, see Poling, Kandinsky:

Russian and Bauhaus Years, chaps. 1 and 2, pp. 12-56.

52. In 1920-21 Kandinsky had been involved with the

Russian School Vkhutemas (Higher Art Technical

Studios); the Bauhaus was struc tured according to the

same system of studios as the Vkhutemas and also

propagated the synthesis of the fine and applied arts.

53. In its importance regarding Kandinsky's pictorial

theories of the post- World War I period, Point and Line to Plane is comparable to On the Spiritual in Art of the

pre-World War I years. The book was first published in

1926 in volume 9 of the Bauhaus Books. According to

Kandinsky's introduction, the ideas presented in the book

were the re

Kandinsky asked Gabriele Münter to accompany him at

his summer art seminars in the Alps located close to

Munich in the summer of 1902. She agreed, and their

connection shifted from business to personal. Kandinsky

found art school, which is typical y thought to be

chal enging, to be simple.

During this period, he began to establish himself as a

theorist of art and an artist.

At the start of the 20 century, the number of his

remaining works rose; much survives of the landscapes

and cities he produced, utilizing vast swathes of color

and identifiable features.  Kandinsky’s paintings,  for the greater majority, did not include any human beings; an

anomaly is Sunday, Old Russia (1904), in which

Kandinsky reconstructs a vibrant scene of vil agers and

nobility in front of a city’s main wal s.

Sunday, Old

Russia (1904) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Metamorphosis

Couple on Horseback (1907) displays a man on

horseback tenderly hugging a lady as they ride by a

Russian vil age with glowing wal s across a turquoise

river. The horse is subdued, but the foliage on the

trees, the vil age, and the reflection in the river sparkle

with splashes of color and brightness. The way the field

of view is condensed into a flat, luminous surface in this

painting displays the impact of pointil ism.  Fauvism may

be seen in these early pieces as wel . Colors are

utilized to represent Kandinsky’s perspective with the

subject matter rather than to depict objective nature.

Couple on

Horseback (1907) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons The Blue Rider (1903), depicting a little shrouded man

on a racing horse riding over a rocky landscape, was

one of his most important works from the first decade of the 20th century. The rider’s cape is a moderate blue

with a deeper blue shadow. The opposites to the

autumn trees in the backdrop are more hazy blue

shadows in the front. The blue rider is conspicuous

(although not completely defined) in the artwork, and the

horse moves in an unusual manner (which Kandinsky

was surely aware of). Some art scholars concur that the

rider is holding a second person (possibly a child),

however, this might be a shadow cast by the lone rider.

This deliberate disjunction, which allowed spectators to

engage in the construction of the work, became a more

deliberate method utilized by Kandinsky in later years,

culminating in the abstract works from 1911 until 1914.

The Blue

Rider (1903) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Kandinsky depicts the riders on horseback in The Blue

Rider as a stream of colors rather than in particular

detail. When compared to contemporaneous painters,

this picture is not unique in that sense, but it suggests

the route Kandinsky would fol ow only a few years later.

From 1906 through 1908, Russian abstract artist

Kandinsky traveled extensively over Europe (he was a

member of Moscow’s Blue Rose symbolist movement)

before settling in the little Bavarian town of Murnau.

In 1908, he purchased a copy of Charles Webster

Leadbeater and Annie Besant’s Thought-Forms. He

entered the Theosophical Society in 1909. At this period,

he produced The Blue Mountain (1909), il ustrating his

move toward abstractions.

The Blue

Mountain (1909) by Wassily Kandinsky;  Dr. Alexey Yakovlev,  CC BY-SA 2.0,  via Wikimedia Commons

A blue mountain is framed by two wide trees, one red

and the other yel ow. At the base, a group of three

cyclists and numerous more crosses. The riders’ faces, clothes, and saddles are al  one color, and neither they

nor the strol ing characters have any actual detail.

Fauvist inspiration may also be seen in the flat surfaces

and curves. The Blue Mountain‘s extensive use of color

exemplifies Kandinsky’s preference for an artwork in

which color is portrayed irrespective of form and in

which each hue is given equal emphasis.

The arrangement is flatter, with four sections: the yellow tree,

the red tree, the sky, and the blue mountain with the three

horsemen.

Th

e Blu

e Ride

r Period

Kandinsky’s paintings from this time are huge, emotive

colored masses that are judged independently of shapes

and lines; these no longer serve to delimit them, but

instead, overlap freely to produce paintings of

tremendous energy. Because music is abstract in

essence does not aim to portray the outside world, but

conveys the inner sensations of the soul in an

instantaneous way—it was vital in the formation of

abstract art.

Kandinsky’s works were occasionally identified using musical

terms; he labeled his most impulsive canvases

“improvisations” and more sophisticated ones “compositions.”

Composition

V (1911) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky the painter was also an art theorist; his

theoretical writings may have had a greater impact on

the history of Western art than his artworks. He was a

founding member of the Munich New Artists’ Association

and served as its president in 1909. However, the group

was unable to merge Kandinsky’s unconventional attitude

with traditional aesthetic notions, and the organization

disbanded in late 1911.

Kandinsky then founded the Blue Rider with painters

including Franz Marc,  August Macke, Albert Bloch, and Gabriele Münter.

The Blue Rider Almanac was published in 1912, and

two displays were conducted. More of each were

planned, but the advent of World War I in 1914 put a

stop to these ambitions, sending Kandinsky back to

Russia via Switzerland and then on to Sweden.

Cover of Der

Blaue Reiter almanac. (c. 1912), designed by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons

His writings in The Blue Rider Almanac and the thesis

“On the Spiritual in Art” (1910) were both defense and

advocacy of abstract art, as wel  as a statement that

al  artistic mediums were similarly competent at attaining a degree of spirituality. He felt that color may

be employed in an artwork as a separate entity from the

visible depiction of an item or other shape. These

concepts had an almost instantaneous international

influence, especial y in the English-speaking community.

Michael Sadleir of the London-based Art News assessed his

piece in 1912. When Sadleir released an English version of

Kandinsky’s write-up in 1914, interest in him skyrocketed.

Bookplate of

Michael Sadleir, 1882;  Sadleir,  Public domain, via Wikimedia Commons

That year, excerpts from the text were published in the magazine Blast and the weekly artistic daily The New

Age. However, Kandinsky had gained some attention in

Britain previously; in 1910, he took part in the Al ied

Artists’ Exhibit (organized by Frank Rutter) at the Royal

Albert Hal . Sadleir’s enthusiasm in Kandinsky also

resulted in the acquisition of many wood-prints and the

abstract work Fragment for Composition VII by the elder

Michael Sadleir, in 1913, after a trip by the father and

son to see Kandinsky that year in Munich. Between

1913 and 1923, these paintings were shown at Leeds,

either at the university or at the Leeds Arts Club.

Th

e Russia

n Abstrac

t Artis’t

s Retur

n t

o Russia

Kandinsky discovered Nina Andreevskaya in 1916 and

married her on the 11th of February, 1917. Kandinsky

was interested in Russian cultural politics and worked

on art instruction and institution reform from 1918 until

1921. During this period, he produced little but dedicated his time to creative training, with a curriculum centered

on form and color study; he also assisted to establish

Moscow’s Institute of Artistic Culture. His mystical,

evocative concept of art was eventual y condemned by

the Institute’s extreme adherents as being too personal

and materialistic.

Kandinsky was summoned to Germany in 1921 by its creator,

architect Walter Gropius, to join the Bauhaus of Weimar.

Retur

n t

o German

y an

d th

e Bauhaus

Kandinsky taught a complete beginner designing course

and an intensive theoretical class at the Bauhaus, as

wel  as painting workshops and a seminar in which he

supplemented his color theory with new components of form psychoanalytic theory. In 1926, his second

conceptual book (Point and Line to Plane) was

published as a result of the advancement of his works

on forms studies, notably on point and line formations.

Cover of the

book Point and Line to Plane (1926) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via

Wikimedia Commons

His investigations into the effects of pressures on

straight lines, which resulted in the opposing tones of

curving and slanted lines, corresponded with the work of

Gestalt psychologists, whose research was also debated

at the Bauhaus. Geometrical features, notably the circle,

semi-circle, angles, straight lines, and bends, were

increasingly important in his instruction and paintings.

This was a really fruitful time.

This flexibility is exemplified in his works by the

handling of planes rich in colors and gradients, such

as Yel ow-red-blue (1925), in which Kandinsky

demonstrates his independence from the prominent

suprematism and constructivism trends of the period. Yel ow-red-blue (1925) is a two-meter-wide work

with numerous primary elements:  a slanted red cross, a

yel ow rectangle, and a big bleak blue sphere; a

plethora of sharp black lines, arcs, monochrome rings,

and dispersed, colorful checker-boards add to its

sensitive sophistication.

Yel ow-Red-

Blue (1925) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons This basic visual recognition of shapes and the main

hued masses current on the painting is only a first

strategy to the inner world of the piece whose

admiration requires deeper assertion, not only of the

shapes and colors implicated in the artwork, but also

their interaction, position in relation to each other on the canvas, as wel  as their overal  harmony.

Greate

r Synthesis

Kandinsky developed his work in a living-room studio

while living in a Paris flat. In his works, biomorphic

shapes with fluid, non-geometric edges appear—figures

that resemble life forms yet reveal the creator’s inner

existence. Kandinsky employed unique color

combinations that evoked Slavic popular art. He also sometimes blended sand with pigment to give his works

a grainy, rustic feel.

This phase refers to a synthesis of Kandinsky’s prior work, in

which he utilized and enriched all components.

In 1936 and 1939, he completed his final two large

works, enormous paintings that he had not created in

many years. Composition IX (1936) has strongly

contrasted, forceful diagonals, with the main form

resembling a fetus in the womb.

Composition

IX (1936) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Star pieces or little squares of color and colored bands

stand out against the black backdrop of Composition

X (1939), while cryptic hieroglyphs with hues cover a

massive maroon bulk that appears to hover in the

upper-left corner of the painting. Some traits are clear in

Kandinsky’s artwork, while others are more subtle and

hidden; they present themselves only gradual y to

individuals who have a deeper relationship with his

work.

His shapes (which he gently harmonized and positioned)

were meant to connect with the observer’s spirit.

Composition

X (1939) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Kandinsk

y th

e Painte’r

s Uniqu

e Ar

t Style

Wassily Kandinsky’s art combines music and mysticism.

Kandinsky’s paintings in his early years exhibit a distinct

expressionism approach, owing to his enthusiasm for

contemporary music and tactile inclination. However, he

accepted al  creative trends of his period and forebears, such as Art Nouveau,  Fauvism and the Blue Rider, Surrealism, and the Bauhaus, only to evolve closer to

abstractionism as he studied spirituality in the artwork.

His object-free canvases depict spiritual abstraction

evoked by music and feelings via a unity of sense. His

works contain the uncertainty of form depicted in a

range of colors as wel  as opposition against traditional

aesthetic norms of the art world, motivated by his

Christian faith and the internal requirement of an

individual. This can be seen in his early works such

as Improvision 10 (1910) and Composition IV (1911).

Improvision

10 (1910) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Over the duration of his creative career, his trademark

or distinctive style can be further characterized and

separated into three classifications: impulsive emotional

responses, representational elements, and ultimate

artworks. Kandinsky’s artworks got more vivid and

emotive as he moved away from his early Impressionist

influence, with sharper outlines and distinct linear

features.

But ultimately, Kandinsky rejected graphical depiction with

more multisensory billowing typhoons of colors and patterns,

eliminating conventional examples to complexity and laying-

bare different abstract forms.

What stayed constant, however, was his divine

undertakings of representations and citations to

Christianity. Kandinsky’s later paintings are also notable

for their emotional coherence. He proved the uniformity

of forms in his works, opening the path for even further

abstraction, with different scales and vivid hues

harmonized by a precise contrast of proportions and

colors. Wassily Kandinsky frequently employed black in

his works to emphasize the effect of vividly colored

shapes, and his shapes were frequently biomorphic

techniques to introduce surrealism into his work such

as Last Watercolor (1944).

Last

Watercolor (1944) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Th

e Conceptio

n o fKandinsk ’y

s Artworks

Kandinsky began the first seven of his 10 compositions,

writing that “music is the supreme instructor.” The first

three are only preserved in black-and-white images by

another painter and col eague Gabriele Münter. While

there are studies, drawings, and riffs especial y

of Composition II (1910), Kandinsky’s first three

Compositions were confiscated during a Nazi raid on the

Bauhaus in the 1930s. They were shown in the State-

sponsored exhibition “Degenerate Art” before being

burned.

Captivated by Christian prophecy and the concept of a New

Age, doomsday is a frequent topic throughout Kandinsky’s

first seven Creations.

Sketch

for Composition II (1909) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky painted works in the years leading up to

World War I depicting an impending apocalypse that

would transform personal and societal reality, as he

wrote of the “artist as oracle” in his book Concerning

the Spiritual in Art (1912). Kandinsky pul ed from biblical

legends such as Christ’s resurrection, Noah’s Ark,

Jonah, and the whale,  the four horsemen of the

Apocalypse,  Russian myths and legends, and the common mythical sensations of death and resurrection.

Never seeking to visualize any of these tales as a story, he

utilized their shrouded symbolism as emblems of the motifs

of destruction and death that he perceived were impending in

the pre-World War I environment.

Cover of the

book Concerning the Spiritual in Art (1910) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons

Kandinsky believed that a real artist who creates art out

of “internal need” lives at the top of an upward pyramid, as he expressed in his writings. This ascending pyramid

is piercing and moving forward. At the pinnacle of the

pyramid, the contemporary artist stands alone, producing fresh breakthroughs and heralding tomorrow’s

realities. Kandinsky was cognizant of scientific advances

as wel  as the contributions of modern artists to

fundamental y new ways of viewing and expressing the

environment.

Composition IV (1911) and artworks that fol owed are

mainly concentrated on eliciting a spiritual awakening in

both the spectator and the artist. Kandinsky, like in his

picture of the doomsday by water such as Composition

VI (1913), puts the observer in the situation of

encountering these epic narratives by interpreting them

into modern terms with a feeling of desperation,

urgency, and confusion).

Composition

IV (1911) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons Within the confines of language and visuals, this

spiritual connection of spectator and artwork may be

articulated. Kandinsky also described the connection

between artist and audience as being open to both the

senses and the thinking, as seen by his Der Blaue

Reiter Almanac writings and hypothesizing with musician Arnold Schoenberg. Kandinsky theorized that (for

il ustration), yel ow is the color of middle C on a brassy

horn; black is the color of finality and the end of

everything; and that color combination generates

resonances, similar to notes performed on a piano.

Kandinsky began learning to play the keyboard and cello in

1871.

Kandinsky also established a philosophy of geometric

shapes and their connections, suggesting that the

sphere is the calmest form and embodies the human

spirit, for instance. Kandinsky’s iconic setting for

Mussorgsky’s “Pictures at an Exhibition” exemplifies his

synaesthetic notion of a global correlation of shapes,

hues, and musical notes. Wassily Kandinsky produced

the stage version of “Pictures at an Exhibition” in

Dessau in 1928. The original drawings of the stage

components were recreated using current video

technology and synced with the soundtrack in 2015,

based on Kandinsky’s preparation papers and Felix

Klee’s director’s screenplay.

Kandinsky was engaged on his Composition VI (1913) in

another session with Münter during the Bavarian

abstract art years. He had meant the piece, which had

taken nearly six months of research and planning, to

conjure a deluge, baptism, devastation, and regeneration

al  at the same time.

Composition

VI (1913) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons He grew stuck after sketching the piece on mural-sized

wooden panels and was unable to continue. Münter

informed him that he was stuck in his head and couldn’t get to the real subject of the photograph. She advised

him to merely say the phrase deluge and concentrate

on the tone rather than the content.

Kandinsky created and finished the mammoth piece in three

days, reciting this term like a mantra.

Kandinsk

y Exhibitions

The Lenbachhaus gal ery in Munich holds the largest

col ection of Kandinsky’s paintings in Europe and some

of the most notable Kandinsky Exhibitions to date are

as fol ows:

Kandinsky, a significant exhibition of Kandinsky’s art,

was shown at the Solomon R. Guggenheim Museum

from 2009 through 2010. A col ection of Kandinsky’s

art was on display at the Guggenheim in 2017,

titled Visionaries: Creating a Modern Guggenheim.

From the 11th of June through the 4th of

September, 2011, the Phil ips Col ection in

Washington, D.C. had an exhibition titled Kandinsky

and the Harmony of Silence, which

included Painting with White Border and its

preliminary studies.

Vasily Kandinsky: Around the Circle wil  be on

display at the Solomon R. Guggenheim Museum

from the 8th of October, 2021 until the 5th of

September, 2022, in tandem with a sequence of

solo exhibits highlighting the works of modern artists

Annie C. Jones, Etel Adnan, and Cecilia Vicuna.

Notabl

e Artworks

Kandinsky’s artworks were influenced heavily by music.

The pieces were often named using musical themes.

Here are some of the artist’s most famous pieces.

Smal  Worlds (1922)

On White II (1923)

Circles in a Circle (1923)

Soft Hard (1926)

Brown with Supplement (1935)

Composition IX (1936)

Composition X (1939)

Circle and Square (1943)

Circles in a

Circle (1923) by Wassily Kandinsky;  Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons

Furthe

r Reading

Wassily Kandinsky was a Russian abstract artist who

led an interesting life. If you would like to learn more

about Wassily Kandinsky’s biography and artwork, then

look no further. We have compiled a list of great

reading recommendations in case you would like to

explore this artist even further.

Concernin

g th

e Spiritua li

n Art  (Kindl

e versio

n 201 )

2 b

y Wassil

y Kandinsky

This book is one of the most important texts in the

history of contemporary art since it was a pioneering work in the drive to liberate art from its conventional

links to practical reality. It was written by the famed

nonobjective artist Wassily Kandinsky and describes

Kandinsky’s own philosophy of painting as wel  as

crystal izing concepts that influenced many other

contemporary painters of the time.

This publication, along with his own ground-breaking works,

had a significant effect on the evolution of contemporary art.

The first section, titled “About Aesthetic,” cal s for a

metaphysical transformation in art, al owing artists to

portray their inner lives in ethereal, non-material terms.

Painters should never have to rely on the physical

universe for creative art, just as musicians do not rely

on the material world for their songs. Kandinsky

examines the neurology of colors and the vocabulary of

form in the second section, “About Painting.”

Concerning the Spiritual in Art

One of the most important documents in the history of modern art

Writ en by the famous nonobjective painter Wassily Kandinsky

A stimulating and necessary reading experience for every art lover

View on Amazon

Poin tan

d Lin

e t

o Plane (Kindl

e Editio

n 201 )

2 b

y Wassil

y Kandinsky

Kandinsky gives a comprehensive explication of the

fundamental dynamics of non-objective painting in this

publication, one of the most significant books in 20th-

century art. He discusses the notion of point as the

“proto-element” of paintings, the function of point in the

environment, song, and other arts, and the union of

point and line that resulted in a distinct visual

vocabulary using his own nomenclature.

He then delves into an engrossing examination of line,

including the effect of power on line, lyric and dramatic

aspects, and the conversion of many events into forms of

linear representation.

Kandinsky shows out the natural connection of the

components of paint, commenting on the role of

textures, the component of time, and the link of al

these aspects to the fundamental material plane cal ed

upon to accept the substance of a piece of artwork, with

great creative insight.

Point and Line to Plane (Dover Fine Art, History of Art)

One of the most influential books in 20th-century art

A detailed exposition of the inner dynamics of non-objective painting

Ilustrates the importance of Kandinsky's ef ect on 20th-century art

And that concludes our look at Kandinsky the artist. Wassily

Kandinsky, a Russian abstract artist, popularized abstract

painting in the 19th century and early 20th centuries. In his

unique perspective on the form and function of art, Kandinsky

the artist emphasized the merging of the visual and auditory.

Noises were regarded as colors by him, and this unusual

viewpoint inspired the production of Kandinsky’s artworks.

Kandinsky, the painter, thought that the p urpose of art  was to convey the artist’s originality and inner vision, which required

the elevation of objective truth. Kandinsky’s paintings aimed

to show that total abstraction allowed for deeper, sublime

perception and that copying nature inhibited this quest.

Read also our wassily kandinsky art web story.

Frequentl

y Aske

d Questions

Wha tI

s a

n Exampl

e o fWassil

y Kandinsk ’y

s Portrai

t Paintings?

Wassily Kandinsky the painter was not known for

making portrait paintings. Kandinsky’s art was known for

being abstract. However, one portrait painting by Wassily

Kandinsky is that of Gabriele Munter (1905).

Wha tKin

d o fAr

t Di

d Wassil

y Kandinsk

y Make?

Kandinsky’s paintings were examples of abstract art. He

was very influenced by music. Many of his paintings

were representational of how he experienced music and

art in a synergistic manner.

Wassily Kandinsky was a pioneer of abstract art, and his art style evolved significantly over the course of his career. He is

often credited with creating the first purely abstract paintings in

the history of Western art. Kandinsky’s art style can be

categorized into several phases:

1. Early Expressionism: (1900–1910): In the early part of his career, Kandinsky was associated with Expressionism. His work during this period was influenced by his experiences in Russia and featured bold colors and dynamic brushwork. Notable paintings from this era include “The Blue Rider” and “Study for Improvisation V.”

2. Der Blaue Reiter (The Blue Rider) Period (1911–1914): Kandinsky, along with artist Franz Marc, co-founded the artistic group “Der Blaue Reiter,” which aimed to express spiritual truths through art. During this period, Kandinsky’s art became more abstract, and he began to emphasize the symbolic and spiritual aspects of color and form. “Composition V” and “Composition VII” are iconic works from this phase.

3. Abstract Period (1914–1921): Kandinsky’s art entered a fully abstract phase during and after World War I. He developed a style characterized by geometric shapes, fluid lines, and a non-representational approach to composition. Kandinsky believed that color and form could evoke emotions and spiritual experiences directly, without the need for representational elements. “Yellow-Red-Blue” and “Composition VIII” exemplify this period.

4. Bauhaus Period (1922–1933): Kandinsky joined the Bauhaus, a renowned school of art, design, and architecture, in 1922. During his time there, he continued to explore abstract art, merging elements of geometric abstraction with a focus on color theory. His teachings and writings at the Bauhaus had a lasting impact on the development of abstract art. Notable works from this period include “Composition X” and “Several Circles.”

Throughout his career, Kandinsky’s art style reflected a deep interest in the spiritual and emotional dimensions of art. He

believed that abstract forms and colors could communicate

universal truths and transcend the limitations of

representational art. His contributions laid the groundwork for

the development of abstract expressionism and modern abstract art movements.

This salience seems unlikely, judging by his early life. The Russian-born artist studied law and economics initial y, and only took up painting at the age of 30. However, on moving to Germany in 1896, he soon developed his innovative ideas within a few distinct groups, outlining his theories in key texts.

In 1911, having settled in Munich he formed the Der Blaue Reiter, or Blue Rider group, with a number of fel ow painters, including the Swiss-German artist Paul Klee. As Art and Time explains, the group’s name was a reference to “horses and the harmony of the natural world.”

Lyrical (from Sounds) (1911) by Wassily Kandinsky

Yet these naturalistic sympathies were al oyed with a progressive desire to express certain numinous, non-figurative expressions directly onto the canvas.

In the Der Blaue Reiter entry in Art in Time, we explain, “Kandinsky developed his profound belief in the evocative possibilities of form and colour into some of the first truly abstract art of the twentieth century. Kandinsky’s ideas were fuel ed by an interest in Theosophy, a movement that insisted on fol owing transcendental truths that could not be explained by science.”

Music also inspired him to create artworks of high spiritual rather than visual fidelity. “In Concerning the Spiritual in Art (1911) Kandinsky drew an analogy between abstract painting and music, commenting that ‘music has been for some centuries the art which has devoted itself not to the reproduction of natural phenomena, but rather to the expression of the artist’s soul, in musical sound.’”

Why did he try to paint music? Wel , some desire might stem from the way in which the artist experienced aural and visual sensations. “He had synesthesia,” our text states, “a condition in which one sees sounds as colours and hears colours and forms as sounds, referred to in his book of prose poems and wood cuts, Klänge (‘sounds’).”

Cossacks (1910-11) by Wassily Kandinsky

If Kandinsky developed these ideas among a lesser-known group of artists, he went onto popularize them at the best-known art school of al time, the Bauhaus. “Kandinsky joined the group in 1922, as a master in the smal  wal  painting workshop,” we note in our Bauhaus entry in Art in Time, and during this time developed his theories concerning a kind of painting that might bridge some gap between spiritual impulse and logical understanding.

Singling out the 1926 painting, Several Circles, the book notes that this oil-on-canvas work “seems to relate to his 1926 textbook, Point and Line to Plane, in which he described the ‘point’ (an ‘ideal y smal  circle’) as the purest and most basic element of painting, motionless in itself but with the potential to create a moving line or static plane. Circles according to Kandinsky, would appear to shift when placed in tension with other forms, and the cosmic appearance of Several Circles is suggestive of his desire to reconcile spirituality and logic.”

Google's Kandinsky doodle, 2014

The artist left Germany after the Nazis closed the Bauhaus in 1933, settling in France. While his ultimate ambition to create an al -

encompassing theory of painting, elevating the form to equal the cerebral purity of music and logic, might not have been whol y successful, it’s hard to underestimate the influence of his work. Before passing away in 1944, Kandinsky personal y influenced Tachisme, the French abstract painting school, while his paintings, exhibited in 1939 at New York’s MoMA, inspired the city’s Abstract Expressionists. So while he might not have been the first to paint non-figurative forms, the beauty and ambition of his work helped ensure that he certainly wasn’t the last.

Wassily Kandinsky: The Father of

Abstraction

Wassily Kandinsky was a Russian artist known for his artistic theories and innovation. He viewed art as a spiritual vehicle and the artist as a prophet. Kandinsky was the first known Published: Nov 24, 2019written by Jacqueline Lewis,  BA Art History and Architecture Wassily Kandinsky was a Russian artist known for his artistic theories and innovation. He viewed art as a spiritual vehicle and the artist as a prophet. Kandinsky was the first known and recorded European artist to create ful y abstract artworks. This would change the trajectory of Modern Art and open possibilities in the art world for the rest of time.

1. He had an ethnically diverse background

Wassily

Kandinsky, Anonymous Photographer, circa 1913

Wassily Kandinsky was born in Moscow, Russia in 1866. Though he is known as a great Russian painter, his lineage is technical y both European and Asian. His mother was a Muscovite Russian, his grandmother a Mongolian princess and his father a Serbian Kyakvita.

Portrait of Wassily

Kandinsky, Gabriele Munter, 1906

Kandinsky grew up in a wel  to do family. At a young age he was wel  traveled. He specifical y felt at home in Venice, Rome and Florence.  Kandinsky asserts that his attraction to color began around this time. He noticed color in art and the world around him, more specifical y, how it made him feel.

He finished secondary school in Odessa. Throughout his schooling, he performed local y as an amateur pianist and cel ist.

2. He did not begin painting until age 30

Muinchh-Schwabing with

the Church of Sr. Ursula, Wassily Kandinsky, 1908,

early period work.

In 1886, Kandinsky started studying law and economics at the University of Moscow. His interest in art and color peaked while exploring the city’s architecture and vast wealth of art. He felt a deep connection with Rembrandt’s works after visiting the city’s churches and museums.

In 1896, at the age of 30, Kandinsky began to study art Anton Azbi’s private school before eventual y being accepted into the Academy of Fine Arts. Kandinsky says that Claude Monet was one of his biggest artistic inspirations.

The light and color changes in Monet’s Haystacks series seemed to take on a life of their own and he was deeply drawn to that. Kandinsky also cites musical composers, philosophers and other artists as inspirations, specifical y those in Fauvist and Impressionist circles.

3. Kandinsky was an Art Theorist

Composition

VII, Wassily Kandinsky, 1913, Tretyakov Gal ery,

According to Kandinsky, the most complex piece he

created.

Kandinsky was not only an artist but also an Art Theorist. He believed that visual art was much deeper than its purely visual characteristics. He most notably wrote “Concerning the Spiritual in Art” for the Blue Rider Almanac (1911).

“Concerning the Spiritual in Art” is an analysis of form and color. It declares that neither are simple concepts, but they do connect to idea association that stems from the artist’s inner experience. Given that these connections are al  within the viewer and artist, color and form analysis is “absolute subjectivity” but enhances the artistic experience nonetheless. “Absolute subjectivity” is something that has no objective answer but subjective analysis is valuable for understanding in itself.

Smal  Worlds I,

Wassily Kandinsky, 1922

Kandinsky’s article discusses three types of painting: impressions, improvisations, and compositions. Impressions are external reality, what you visual y see and the starting point of art. Improvisations and compositions depict the unconscious, what cannot be seen in the visual world. Compositions take improvisations a step further and develop them more ful y.

Kandinsky saw artists as prophets, with the ability and responsibility to open viewers up to new ideas and ways of experiencing. Modern art was a vehicle for new thought and exploration.

4. Kandinsky created the first historically recognized abstract art Composition

VI, Wassily Kandinsky, 1913

Given his theory, it makes sense that Kandinsky painted works that did not just capture reality but the unconscious experience of moods, words, and other subjects. This came to fruition through abstract paintings that focused on color and form with little or no figurative elements. Kandinsky was the first European artist to create ful y abstract works.

Kandinsky’s abstraction did not translate to arbitrary imagery though. As musical composers inspire visual and emotional responses using solely audio, Kandinsky wanted to create a ful  sensory experience using the visual.

He wanted to evoke emotions and sound and the viewer’s own experience through pure colors and forms. His interest in music led to his view of paintings as compositions, with sound imbued in on their canvas like the visual is imbued in musical composition.

5. Kandinsky was forced to return to Russia

In Grey,

Wassily Kandinsky, 1919, exhibited at the 19th State

Exhibition, Moscow, 1920

After sixteen years of studying and creating art in Germany, Kandinsky was forced to return to Moscow from Munich. Now, in his middle ages, Kandinsky felt like an outsider in his mother country. He made little art during the first few years until final y feeling better and more creative by 1916.

At this time, he became involved in the Russian art world. He helped organize the Institute of Artistic Culture in Moscow and became its first director.

Ultimately, Kandinsky found that his artistic spiritualism simply did not fit in with the dominant Russian art movements. Suprematism and Constructivism were the major artistic styles. They glorified the individual and

materialism in a way that clashed with Kandinsky’s spiritualistic views. He left Russia and returned to Germany in 1921.

7. Kandinsky’s record sale is $23.3 million

Rigide et

courbé (Rigid and bent), Wassily Kandinsky, 1935, oil

and sand on canvas

Rigide et courbé sold on November 16, 2016 at Christies for a record 23.3 mil ion dol ars. Before that sale, Kandinsky’s Studie für Improvisation 8 (Study for Improvisation 8) sold for 23 mil ion.

Given Kandinsky’s historical importance for abstract art, it is no wonder that his works sel  for substantial amounts. Many sel  for less than 23 mil ion but they stil  remain valuable in the art market.

8. Kandinsky died a French citizen

Composition

X, Wassily Kandinsky, 1939

After the Bahaus moved to Berlin, Kandinsky also moved, settling in Paris. Even though he is known as a Russian painter, he became French citizen in 1939

He painted some of his most prominent art while living in France and ultimately died in Neuil y-sur-Seine in 1944.

The Blue Rider Period

Kandinsky’s paintings from this time are huge, emotive colored masses that are judged independently of shapes and lines; these no longer serve to delimit them, but instead, overlap freely to produce paintings of tremendous energy. Because music is abstract in essence does not aim to portray the outside world, but conveys the inner sensations of the soul in an instantaneous way—it was vital in the formation of abstract art.

Kandinsky’s works were occasionally identified using musical terms; he labeled his most impulsive canvases “improvisations” and more

sophisticated ones “compositions.”

andinsky the painter was also an art theorist; his theoretical writings may have had a greater impact on the history of Western art than his artworks. He was a founding member of the Munich New Artists’ Association and served as its president in 1909. However, the group was unable to merge Kandinsky’s unconventional attitude with traditional aesthetic notions, and the organization disbanded in late 1911.

Kandinsky then founded the Blue Rider with painters including Franz

Marc,  August Macke, Albert Bloch, and Gabriele Münter.

The Blue Rider Almanac  was published in 1912, and two displays were conducted. More of each were planned, but the advent of World War I in 1914 put a stop to these ambitions, sending Kandinsky back to Russia via Switzerland and then on to Sweden.

Wassily Kandinsky and his masterpiece "Yel ow-red-blue (1925)," you can start by introducing the artist's revolutionary approach to art, highlighting his departure from the dominant art movements of his time like suprematism and constructivism.

Next, delve into a detailed analysis of "Yellow-red-blue (1925)" by describing its key elements: the slanted red cross, yellow rectangle, and blue sphere, along with the intricate black lines, arcs, rings, and checker-boards that contribute to its intricate composition.

Transition into the deeper layers of the artwork by emphasizing the significance of not just recognizing the shapes and colors but understanding their interaction, positioning, and overall harmony within the piece.

Further explore Kandinsky's artistic evolution in his Paris studio, where he introduced biomorphic shapes with fluid, non-geometric edges, reflecting both organic forms and his inner emotions. Mention his unique use of color inspired by Slavic art and his experimentation with texture by incorporating sand into his pigments for a rustic effect.

By combining these insights with engaging visuals and perhaps discussing Kandinsky's broader artistic philosophy

Cover of  Der

Blaue Reiter almanac. (c. 1912), designed by Wassily Kandinsky;   Wassily Kandinsky,  Public domain, via Wikimedia Commons

His writings in  The Blue Rider Almana c and the thesis “On the Spiritual in Art” (1910) were both defense and advocacy of abstract art, as wel  as a statement that al  artistic mediums were similarly competent at attaining a degree of spirituality. He felt that color may be employed in an artwork as a separate entity from the visible depiction of an item or other shape. These concepts had an almost instantaneous international influence, especial y in the English-speaking community.

Michael Sadleir of the London-based Art News assessed his piece in 1912.

When Sadleir released an English version of Kandinsky’s write-up in 1914, interest in him skyrocketed.

ABOUT COMPOSITION VII

In Composition VIII Kandinsky explores these multiple

possibilities of confining different colors within different

shapes, as with the blue right angle and the pink acute

angle, or the blue circle outlined in pink and yel ow

counterpoised by the yel ow circle haloed in blue. The

very careful balance between the circular and the linear

elements within the composition is played out by the col

ored circles of varying sizes that are distributed through

out the pictorial field, enlivening the surface and

contrasting with the sharp linear forms that include di

agonals moving toward the upper right. It is revealing that in 1929 Kandinsky explained in an answer to a

psychologist's questionnaire that he felt the same love

for the circle motif as he had felt for the 185 horse

motif during his early pre- World War I years. Kandinsky

began to use the circle motif in his works in 1921, but

by 1923 it assumed a much more prominent position

within his pictorial vocabulary. The circle, which came to

play such a strong role in Composition VIII, had

certainly gained importance among the artists of the

avant-garde in the several years preceding this work.

Aleksandr Rodchenko in Russia and Laszlo Moholy-Nagy

at the Bauhaus had each, in different ways, used the

circle as an almost iconic image (figs. 19, 20). Like the

form of the square, which for Malevich was replete with

possibilities, so did the form

It has been suggested that Composition VIII was

essential y conceived by Kandinsky as being constructed

on an "ideal plane" that comes into existence in the

process of moving toward abstraction, eliminating mod eling and thus the third dimension, and anchoring the

187 picture to the surface. But Kandinsky felt that the

flat depiction on a picture plane had serious constraints

and that the picture must exist on that ideal plane,

which would be situated somewhere in front of the

physical plane. In this respect, we are reminded of the

preoccu pations of his Russian contemporaries at the

beginning of the second decade of the century. They

very strongly emphasized the importance of the "surface

plane" and 188 faktura as active components of pictorial

expression. Even in his geometric abstract works,

Kandinsky does not abandon his goal of achieving

harmony and the inner expression of the soul. His

definition of pictorial composition, given twelve years

earlier in On the Spiri tual in Art, stil  rings true with

Composition VIII: "Clashing discords . . . opposites and

contradictions — this is our harmony. Composition on the

basis of this harmony is the juxtaposition of coloristic

and linear forms that have an independent existence as

such, de rived from internal necessity, which create

within the common life arising from this source a whole that is 189 cal ed a picture."

Document Outline

- Kandinsky and Abstraction: The Role of the Hidden Image

- Metamorphosis

- The Blue Rider Period

- The Russian Abstract Artist’s Return to Russia

- Return to Germany and the Bauhaus

- Greater Synthesis

- Kandinsky the Painter’s Unique Art Style

- The Conception of Kandinsky’s Artworks

- Kandinsky Exhibitions

- Notable Artworks

- Further Reading

- Concerning the Spiritual in Art  (Kindle version 2012) by Wassily Kandinsky

- Point and Line to Plane (Kindle Edition 2012) by Wassily Kandinsky

- Frequently Asked Questions

- What Is an Example of Wassily Kandinsky’s Portrait Paintings?

- What Kind of Art Did Wassily Kandinsky Make?

- Wassily Kandinsky: The Father of Abstraction

- 1. He had an ethnically diverse background

- 2. He did not begin painting until age 30

- 3. Kandinsky was an Art Theorist

- 4. Kandinsky created the first historically recognized abstract art

- 5. Kandinsky was forced to return to Russia

- 7. Kandinsky’s record sale is $23.3 million

- 8. Kandinsky died a French citizen

- The Blue Rider Period

Table of Contents

Kandinsky and Abstraction: The Role of the Hidden Image

Metamorphosis

The Blue Rider Period

The Russian Abstract Artist’s Return to Russia

Return to Germany and the Bauhaus

Greater Synthesis

Kandinsky the Painter’s Unique Art Style

The Conception of Kandinsky’s Artworks

Kandinsky Exhibitions

Notable Artworks

Further Reading

Concerning the Spiritual in Art  (Kindle version 2012) by Wassily Kandinsky

Point and Line to Plane (Kindle Edition 2012) by Wassily Kandinsky

Frequently Asked Questions

What Is an Example of Wassily Kandinsky’s Portrait Paintings?

What Kind of Art Did Wassily Kandinsky Make?

Wassily Kandinsky: The Father of Abstraction

1. He had an ethnically diverse background

2. He did not begin painting until age 30

3. Kandinsky was an Art Theorist

4. Kandinsky created the first historically recognized abstract art

5. Kandinsky was forced to return to Russia

7. Kandinsky’s record sale is $23.3 million

8. Kandinsky died a French citizen

The Blue Rider Period